Existió un momento en la historia que quedó grabado en las mentes, libros y fibras de la moda. Era el año de 1998 cuando un joven Alexander McQueen nos presentó la fusión de religión y violencia en un contexto industrial donde retrató con colores rojo, negro y plateado a Juana de Arco.

La colección, por supuesto, generó controversias en el mundo editorial a pesar de los antecedentes del diseñador a la hora de inspirarse en momentos históricos, y, al mismo tiempo, fue alabada por su equilibrio perfecto entre una representación histórica precisa ya que evitó la exageración ya vista en prendas de la época medieval.

La confección y técnica en la pasarela no solo demostraban la maestría ya conocida de McQueen, sino que también le dieron versatilidad al mostrar prendas que, a simple vista, podrían verse inutilizables, pero que en realidad podían ser comercializadas, pues consistían en un conjunto de prendas delicadas con telas como encaje, tartán, mezclilla, piel y sublimados que retratan niños de la era victoriana.

El estilismo estuvo inspirado en una escultura que McQueen veía en su camino a Givenchy. Ahí resaltó un toque andrógino en aquella escultura de Juana de Arco e intentó llevarlo a la pasarela con calvas postizas y pelucas rubias sueltas. El maquillaje consistía en un rostro blanco con lentes de contacto y máscara roja, dándole un toque futurista. “Como si Juana de Arco fuera abducida por los aliens”, dijo McQueen.

Lo impactante de la presentación fue la performatividad característica de McQueen, de principio a fin representando la vida de Juana de Arco y su trágico final en la hoguera. La modelo Erin O'Connor desaparece en una horda de fuego y, aunque el final nunca fue desencriptado en palabras de McQueen, pudo haber significado un renacimiento.

La presencia de la performatividad y la estética de Juana de Arco sigue en tendencia hasta el día de hoy en obras de Robert Wun o Christian Dior y ha impactado en ceremonias de premiación con artistas como Lady Gaga. ¡Qué viva la fusión de moda y performance!